Les deux premières parties de cet article ont permis de comprendre en quoi consiste le port de talons qu’ils soient bas ou hauts, ainsi que l’impact que celui-ci pouvait avoir non seulement sur nos pieds, mais aussi sur la santé de notre corps tout entier. Nous voici enfin arrivés à la troisième partie qui concerne tout particulièrement le port de talons en danse, et particulièrement en danse latine. Je me base ici tout particulièrement — mais pas seulement — sur une étude publiée en 2010 (et qui, en fait, m’a donné l’idée de cet article en trois parties).
1. Origines historiques et marche sur talons hauts
2. Des contraintes et des maux pour tout le corps
3. Danser sur des chaussures à talon (cet article)
PARTIE 3
Les chaussures à talons : danser sur des talons
Selon la danse que l’on pratique, l’impact du port de talons n’est pas le même. Lors de la pratique de certaines danses, on porte peu (voir pas du tout) de talons alors que d’autres danses conviennent particulièrement au port de talons. La différence est particulièrement visible au niveau des chaussures des danseuses. Dans le domaine des danses swing, le talon est bas et large ; dans le domaine des danses standard, le talon est bas à intermédiaire et fin ; dans le domaine des danses latines, le talon est intermédiaire à haut et fin. D’autres différences sont notables entre les danses « percussives » des claquettes ou du flamenco où les semelles sont rigides comme les chaussures de ville (ou les chaussures décrites dans la première partie de cet article) et les danses en couple où les semelles sont souples (peut replier la chaussure sur elle-même). C’est d’ailleurs la semelle rigide qui permet la pose de fers pour les claquettes (un fer sur la demi-pointe, un fer sur le talon).
Si, lorsqu’on va « clubber » (« danser en club » si vous préférez), les filles peuvent porter les talons très hauts le temps d’une soirée, il n’en va pas de même pour les soirées dansantes où l’on pratique le rock, la salsa, le tango, etc. Ces danses vont au-delà du pas de marche ou du simple posé-pointé alterné. Ainsi, si des plateformes et les talons de 12 cm à la mode permettent de clubber, il est difficile de danser réellement sur des talons de plus de 8 cm (ou 3,5 pouces, unité plutôt utilisée à l’étranger). Les chaussures des danses standard (valse, etc.) ont des talons assez bas, ce qui s’explique par le fait que la pose du pied lors d’un mouvement en avant se fasse en commençant par le talon, puis le pied se déroule vers la demi-pointe. Les chaussures de danse latine pour femmes ont généralement des talons de 6,5 à 7,5 cm (2,5 ou 3 pouces) avec une semelle souple.
Ce talon plus haut s’explique par le fait qu’un mouvement en avant se fasse en posant la pointe du pied en premier au sol avant de poser le talon. C’est d’ailleurs cette technique commune aux hommes et aux femmes qui permet aux danseurs le port de chaussures à talon cubain jusqu’à 4 cm de haut. À noter qu’en tango argentin et en salsa portoricaine, les danseuses peuvent utiliser des talons plus hauts que pour les danses latines. D’ailleurs, en tango argentin, les talons sont parfois « aiguilles », car la technique de danse n’est pas caractérisée par un fort appui sur le talon, au contraire les « ochos » se font particulièrement sur les demi-pointes (cette partie de la semelle est généralement plus rigide que pour les autres chaussures de danse). 
Dernier détail important, les chaussures de danse ont une bride/lanière autour de la cheville pour maintenir le talon à l’arrière de la chaussure. Cet élément est important pour éviter les désagréments et pertes de chaussures…
Ce n’est pas parce que ce sont des chaussures de danse qu’il est facile de se mouvoir sur des talons plus ou moins hauts. Je me rappelle la première fois où j’ai chaussé mes chaussures latines à talon cubain et j’avoue que je n’étais pas à l’aise pour marcher. En revanche, pour danser le cha-cha, elles étaient très confortables. Lorsqu’on se tient debout immobile en chaussures à talon, c’est comme ce que j’ai évoqué dans la première partie de cet article : il faut se tenir droit, les abdominaux engagés. Si l’on essaye à présent de marcher, il faut se conformer au style de la danse que l’on souhaite pratiquer. Dans le cas précis des danses latines (cha-cha, rumba, mambo, etc.), l’avant du pied avance en premier et reste en contact avec le sol, mais il ne faut pas oublier de mobiliser les hanches afin de compléter la démarche où tout le corps avance en un seul ensemble. Pour acquérir cette technique, rien de tel que des cours de danse, évidemment ! 
Cela évitera sûrement quelques entorses, car il faut rester attentif à la position des pieds et ne pas se relâcher pour éviter tout problème. Avec la pratique, le renforcement musculaire (mollets) et tendineux adéquat se fait et la cheville gagne en stabilité. Il est aussi conseillé de s’exercer en se tenant en équilibre pendant plusieurs secondes sur la demi-pointe des pieds sans chaussures. Si on fait cet exercice en chaussures, il faut que le talon soit décollé du sol. Certains se rappellent sûrement cette scène de « Dirty Dancing » où Patrick Swayze et Jennifer Gray s’entraînent : vous vous demandiez pourquoi celle-ci dansait sur les demi-pointes ? Eh bien, vous avez la réponse aujourd’hui ! Lorsqu’on s’entraîne à un certain style de danse, c’est donc la répétition qui va faire entrer les bons mouvements dans notre corps. Cette répétition va également intégrer dans nos mouvements la position du pied et donc la hauteur du talon. Il est donc fortement déconseillé de changer de hauteur de talon pour travailler un même style de danse : non seulement le danseur ou la danseuse perdrait une partie de son entraînement, mais en plus il y aurait un risque d’accident ou de trébucher. Il n’y a donc pas de secret, il faut pratiquer le plus possible dans un certain contexte pour être à l’aise dans celui-ci.
Jusqu’il y a peu, les études scientifiques s’étaient intéressées à l’impact de la position du pied sur celui-ci lors de la marche dans divers types de chaussures, mais l’aspect intensif de la danse avait été négligé. Il y a quelques mois, la revue « International Journal of Experimental and Computational Biomechanics » a publié une étude (sept 2010, Vol. 1, No.3, pp. 296-305, étude conjointe de la Liverpool John Moores University en Angleterre et du Human Movement Research Center en Chine) concernant l’utilisation des talons lors de la danse et en particulier la pratique des danses latines comme le cha-cha. Les résultats de cette étude montrent que danser en portant des talons hauts — peu importe la hauteur — implique une pression disproportionnée sur les orteils. Danser en talons de 10 cm de haut (ce qui est déjà très haut pour des chaussures de latines) triplerait la pression sur les orteils alors que danser les pieds nus équilibre la pression entre le talon et les orteils.
Le fait de danser sur des talons hauts implique un déplacement de l’appui du talon vers l’avant du pied. Cette altération dans la répartition de la pression peut mener à des problèmes plantaires, des irritations ou un gonflement de la partie inférieure du pied qui entraîne des maux au niveau du talon. L’équipe scientifique conseille le port de chaussures qui fournissent un bon amortissement et un enveloppement du pied de manière à éviter ces désagréments. Ce type d’étude pourra déboucher sur l’amélioration de la conception des chaussures de danse à talons afin de réduire les effets néfastes de leur port.
D’une manière générale, les études scientifiques n’ont relevé aucun lien entre les problèmes de pieds dont souffrent les hommes et les chaussures qu’ils portent. Ce n’est pas le cas des femmes qui, elles, portent en moyenne beaucoup plus souvent des talons et des chaussures à lanières (sandales). Ainsi, à l’âge de 65 à 74 ans, les maux de pieds font partie des 20 principales raisons pour lesquelles les femmes consultent un spécialiste. Alors que ceux et celles qui ne portent pas de chaussures ont un pied plus large et un espace plus important entre le gros orteil et le suivant, les femmes portant souvent des talons hauts ont les orteils collés les uns aux autres et éventuellement un pied incurvé.
Lorsqu’on porte des chaussures à talon, il faut en prendre soin si l’on veut les faire durer un peu. De plus, un talon fin peut tout aussi bien abîmer ou rayer un sol. Pour ce genre de situation, les magasins spécialisés vendent des protections en plastique pour talon. Il y a différentes formes, adaptées à différents talons. Ces embouts sont obligatoires dans certaines salles de danse et de nombreuses compétitions. Ajoutons que lorsque l’extrémité du talon (« bonbout ») elle-même est usée, celle-ci peut être généralement remplacée sur des chaussures de danse à talon qu’elles soient pour femmes ou pour hommes. Ce remplacement à neuf restabilisera la chaussure (surtout si le talon est fin) et évitera des entorses inopportunes.
Pour conclure, je reprendrais ce qu’a dit quelqu’un dont je ne me rappelle malheureusement plus le nom : « Ginger Rogers a fait les mêmes pas de danse que Fred Astaire, mais elle les a faits sur des talons ! ». 
Et, pour ceux qui l’ont remarqué dans l’actualité récente, même Madonna arrive à danser le Melbourne shuffle (voir l’article décrivant cette danse dans ce blog) en talons sur le titre ‘Party Rock Anthem » de LMFAO au SuperBowl ! Voilà, nous sommes arrivés à la fin de cet article en trois parties ! Il m’a fallu compiler de nombreuses sources d’information pour son écriture en m’assurant de la fiabilité des informations. Lorsqu’on danse, il est nécessaire de ne pas s’arrêter à la simple pratique des mouvements et à l’utilisation d’accessoires a priori banals comme des chaussures. Il faut creuser un peu et s’intéresser aux à-côtés. C’est ce que j’essaye de faire et dont je partage le résultat dans une forme synthétique dans ce blog (ou dans une forme plus détaillée dans mes livres) dans des domaines variés comme l’histoire, la science et la santé, la culture, la technique, la musique, l’art, etc.
Si l’on essaye d’imaginer l’impact du port de talons sur notre corps, nous vient immédiatement à l’esprit les pauvres top-models qui présentent les nouvelles collections de haute-couture et qui défilent sur les podiums sur des talons hauts de telle manière que bon nombre d’entre elles ont connu des chutes en se tordant une cheville. Cela dit, il y a des conséquences beaucoup moins visibles que ces problèmes d’équilibre, sauf pour celles qui les ont vécues. Je me base pour la suite sur une série d’études parues entre 2001 et 2005 dans des revues médicales spécialisées américaines comme le « Journal of Experimental Biology ».
Impact sur les pieds
Il y a aussi le syndrome de Haglund est une inflammation du talon s’accompagnant de douleurs dues à la survenue d’une saillie anormale sur la partie postérieure du calcaneus (os du pied où est rattaché le tendon d’Achille) qui frotte contre la partie arrière de la chaussure. Les pieds y sont particulièrement sensibles en hiver. De plus, l’inclinaison de la chaussure à semelle rigide et talon haut fait plus ou moins glisser le pied vers l’avant, ce qui comprime tous les orteils (phalanges) contre l’avant de la chaussure (surtout si l’extrémité est en pointe) dans le cas de chaussures fermées et certains orteils contre les lanières ou le rebord de la chaussure dans le cas de chaussures ouvertes (et les orteils dépassent parfois de la chaussure). Cela peut être matérialisé par de la corne sur les articulations des orteils ou au niveau de la plante du pied. Il est donc ici important de préciser qu’il faut bien faire attention à l’adéquation de la taille des chaussures par rapport à vos pieds et que, dans les cas entre deux pointures, il existe des compléments de semelle intérieure adhésifs (aussi appelés anti-glissoires, cales talon, semelles antidérapantes, etc.) à mettre à l’intérieur de la chaussure (talon et plante). L’effet secondaire est, malgré tout et du fait de l’épaisseur ajoutée, de comprimer un peu plus le pied dans la chaussure pour le maintenir en place et cela peut entraîner des métatarsalgies (douleurs du métatarse).
Impact nerveux, musculaire, articulaire et osseux
Dans la continuité de ce raccourcissement, le tendon d’Achille a tendance à rétrécir, à s’élargir et à devenir moins souple. Cela ne pose a priori pas de problème lorsque l’on porte des chaussures à talon, mais cela devient gênant dès que l’on revient aux chaussures basses ou que l’on marche pieds nus puisque le tendon est étiré au-delà de sa position habituelle avec les talons hauts. C’est un effet pervers du fait que le corps s’adapte à l’environnement dans lequel il vit. Si le port des talons est systématique, le corps considérera qu’il s’agit de sa situation normale et il s’adapte en conséquence. Pour éviter cela, il faut donc alterner le port de talons hauts avec la marche à plat et l’étirement du tendon qui y est associée. Le port des talons hauts augmente aussi les tensions articulaires au niveau du genou, ce qui entraîne arthrose du genou due à une usure prématurée du cartilage. Il semble que le fait de porter des talons larges au lieu de talons fins ne change rien de significatif au problème. Seule la hauteur du talon compte. Une étude a montré que le port de talons pouvait augmenter la pression sur le genou de l’ordre de 26 pour cent par rapport à une situation sans talons. Et je passe sur les cas d’arthrose du genou qui est développée à la suite d’années entières à porter des talons hauts. J’aurais pu parler de ce qui suit dans le paragraphe relatif aux pieds, mais ici on parle aussi des nerfs. Le névrome de Morton est une autre affectation associée à une douleur particulièrement vive au niveau du troisième ou du deuxième espace métatarsien (entre les doigts de pieds). C’est un problème relatif au nerf digital comprimé dans des chaussures étroites.
Impact sur le dos
En résumé, on se redresse. En cas de port prolongé de talons hauts, les muscles du dos agissent de telle manière que la lordose lombaire (courbure concave du bas du dos) s’en trouve naturellement accentuée : les fesses semblent ressortir et la cambrure du creux des reins augmente. C’est une posture qui est exagérée par rapport à la posture naturelle de départ. C’est cela qui entraîne certaines douleurs dans le dos. Pour éviter cela, il faut régulièrement s’étirer le bas du dos pour compenser les muscles qui auront tendance à rester en position rétractée.
Pour conclure cette partie, il faut se dire que si l’on force le corps dans une certaine position répétée, ce dernier va tenter de s’adapter au mieux à la nouvelle situation selon sa constitution (et avec ses limites). C’est le principe de l’entraînement.
Le problème est qu’il s’adapte parfois tellement qu’il ne peut plus spontanément revenir dans sa position naturelle d’origine, sauf si on l’entraîne dans l’autre sens. Je rementionnerai d’ailleurs le sujet de l’entraînement dans la prochaine partie de cet article qui sera consacrée au port de talons pour la danse puisqu’il est déconseillé de s’entraîner en changeant de hauteur de talon à tout bout de champ. Rendez-vous donc dans quelques jours pour la fin de ce long article consacré aux talons !
L’être humain porte des chaussures depuis environ 40 000 ans, mais le fait de porter les chaussures à talons est bien plus récent puisqu’en en trouve dans la culture de l’Égypte ancienne. Si l’on regarde dans l’histoire de France, on s’aperçoit que la mode des talons hauts provient du XVIe siècle, époque à laquelle Catherine de Médicis utilise des talons de provenance italienne pour se grandir et ainsi faire honneur à son mari le Duc d’Orléans (futur Henri II de France) qui était plutôt grand. La mode des talons envahira rapidement la cour de France aussi bien parmi les hommes que les femmes avec une surélévation pouvant atteindre une dizaine de centimètres. On trouve de cette époque des peintures italiennes montrant les chaussures à semelle haute et, ultérieurement, des chaussures où seuls les talons sont hauts dont j’ai regroupé deux exemples dans l’image ci-contre. 
Jusqu’à la Révolution, les talons ont été associés à la noblesse ou la richesse, ce qui explique le fait qu’ils aient quasiment disparu après 1789, laissant la place à la botte basse ou à la bottine. Ce n’est qu’au XIXe siècle que les talons reviennent à la mode chez les femmes et en particulier chez les prostituées. Il semble que les avantages esthétiques procurés par les talons hauts aient été assez rapidement recherchés par les « honnêtes femmes » afin de ne pas laisser cet avantage compétitif aux « filles de joie ». À noter que ce n’est que vers 1850 que l’on a commencé à fabriquer des chaussures droite et gauche de formes différentes correspondant à la forme de chaque pied.
À la base, les femmes mettent des talons hauts parce que cela les grandit, les amincit et que cela embellit leurs jambes. De plus, sur des talons hauts, la démarche peut devenir plus féminine, voire aguicheuse, du fait de la mobilisation des hanches pour le mouvement. Diverses causes à cela : les fesses ressortent un peu plus, la cheville en tension prolonge la jambe, les hanches sont utilisées pour marcher, le mollet est contracté et donne une belle courbure à la jambe, la nécessité de se tenir droite si l’on ne veut pas avoir l’air cruche, sans compter le rehaussement général de plusieurs centimètres. Il paraît même que la position de la jambe et de la cheville seraient un signal subliminal à caractère sexuel adressé aux mâles… Or, nombreuses sont celles qui ne parviennent pas à tenir sur des talons fins et encore moins à marcher correctement. Or, tout cela s’apprend et nécessite un certain entraînement au niveau de l’équilibre et au niveau des muscles.
S’il est conseillé à certaines personnes ayant mal au dos de marcher sur un talon de 1,5 centimètre environ au lieu de chaussures plates, la plupart des amatrices de talons privilégient un petit talon de 3 à 4 centimètres. Cela apporte quelques avantages esthétiques sans trop de désagréments (j’y viens bientôt…). Oui, mais voilà, la mode mène vers des talons plus hauts : au moins 9 ou 10 centimètres voire davantage s’il y a une semelle compensée en plus. Et l’équilibre est d’autant plus difficile que le talon est fin (comme le talon aiguille). Ces chaussures à la mode sont très jolies et ont un effet garanti sur la gent masculine, mais il est généralement déconseillé de les porter en permanence, au point de prévoir une paire de chaussures basses de rechange à passer au bout de quelques heures de talons vertigineux. Certain(e)s pourraient croire que le sujet de cet article ne s’applique qu’aux femmes, mais ce n’est pas exact. Les hommes aussi peuvent porter des talons couramment. Il existe des modèles de chaussures portés par les deux sexes et qui ont des talons plutôt élevés (et je n’utilise pas ici le terme de « hauts » puisqu’on n’y est pas encore). Parmi ces chaussures, il y a des bottes de style cowboy (santiags et boots) dont le talon peut atteindre 6 cm (elles sont souvent utilisées pour monter à cheval) et des chaussures à talon cubain dont le talon peut atteindre 4 à 5 cm (voir un article précédent dans ce blog pour plus d’informations sur ce type de talon en danse latine chez les hommes). Et je ne parle pas ici des chaussures une peu exotiques ou à plateforme qui circulaient dans les années de la fin des années 60 aux années 80.
Pour ce qui est de danser, les chaussures de ville à talon haut sont à réserver à une danse modérée et basique, un peu comme en discothèque, car elles sont faites pour la marche ou pour rester assise. En effet, la semelle de ce type de chaussures est bien souvent rigide (voire compensée), ce qui aide à maintenir un équilibre sur des talons très hauts. Ces dernières années, il y a deux styles de danse qui utilisent les chaussures à talon haut. La première discipline est la pole dance (danse sensuelle sur une barre verticale ) dont j’ai déjà parlé dans ce blog. Ici, les talons ne servent pas réellement à la danse, ils sont là pour le côté sexy et « aguicheur ». Il faut dire que les danseuses de pole dance n’ont pas souvent les pieds au sol. Le second style pourrait tout simplement s’appeler « Danse sur talons hauts » (parfois apparentée au style burlesque) et a été tout particulièrement mis à l’honneur par les Pussycat Dolls. Ces dernières ont d’ailleurs sorti un DVD d’entraînement (en anglais ou allemand). Les caractéristiques du port de talons hauts sont mises en avant comme un déhanchement prononcé ou encore une légère position cambrée. On remarque en passant dans le DVD que les filles des Pussycat Dolls ne portent pas leurs talons pour l’entraînement, seulement pour la représentation finale. Un autre exemple de performance sur des talons se trouve dans le clip « Single Ladies » de Beyoncé, rendu célèbre par de nombreuses reprises de la chorégraphie (y compris par des hommes) et en particulier dans la série Glee.
Avant de parler de danse en couple (rock, salsa, tango, etc.) sur des chaussures à talons (voir partie 3), voyons donc comment se passe une simple marche dans ces accessoires de mode… Celles qui ont directement essayé de marcher sur des talons hauts disent : « Pas facile ! » Effectivement, la marche sur des talons demande un certain équilibre et une certaine habitude, d’autant plus s’ils sont hauts. On considère généralement la classification suivante : talon bas (moins de 6 cm), talon moyen (entre 6 et 8,5 cm) et talon haut (supérieur à 8,5 cm). Pour démarrer, on peut s’habituer aux talons à la maison en marchant et effectuant des tâches de base en intérieur plutôt qu’aller directement faire un après-midi de shopping en ville ou une soirée dansante. Le mieux est d’alterner le port de talons plats et de talons hauts de manière à préserver les articulations et le dos. Car le port de talons de manière systématique n’est pas sans impact sur la santé. Je reprends ci-après une photo (je n’ai malheureusement pas noté la source) qui illustre très bien les différentes hauteurs de talons hauts (pas ceux pour danser que je montrerai dans la partie 3 de cet article) sans présence de semelle compensée ou de plateforme et qui montre bien la position de la jambe et de ses muscles en fonction de la hauteur. J’aurai l’occasion d’aborder la dernière hauteur de talon dans un prochain article qui portera sur les pointes (je crois que j’aurai alors fait le tour du sujet des pieds !).
Commençons déjà par avoir une bonne posture. Il faut en effet se tenir droit(e) et le cou dégagé : pas question de compenser la position tendue des chevilles par une flexion des genoux qui, elle-même, entraînera inévitablement un avachissement au niveau de la colonne vertébrale. En chaussures à talons, le poids du corps repose essentiellement sur le talon des pieds et tout le reste du corps doit être aligné au-dessus de ceux-ci. Ensuite, il faut relâcher les muscles ne servant pas à maintenir cette posture élégante. Au niveau des pieds, la marche en chaussures à talons hauts ressemble à la marche sans talons : on avance le pied en posant le talon (aussi haut soit-il) en premier au sol, puis l’avant du pied. 
Il ne faut pas avoir peur de mettre le talon sous pression, car il est normalement conçu pour résister. La différence se situe au niveau de l’engagement des abdominaux et du mouvement prononcé des hanches. Contrairement à une idée en vogue, il ne faut pas essayer de marcher comme les top models qui lèvent beaucoup les pieds en pliant les genoux et posent les pieds au sol sur une même ligne. Au contraire, il n’est pas nécessaire de lever exagérément les pieds du sol et il suffit de marcher un pied après l’autre, chacun d’eux ayant sa propre ligne parallèle à celle de l’autre. Évidemment, les deux lignes sont proches l’une de l’autre afin de ne pas avoir une démarche de cowboy… En talons aiguilles, l’équilibre peut être plus difficile à maintenir, mais cette difficulté est compensée par une musculature qu’il faut développer au niveau des jambes, des chevilles et des pieds. Et pour cela, rien de mieux que la danse…
S’il y a une routine swing (aussi appelée enchaînement de jazz roots ou authentic jazz) que tout danseur de swing doit connaître, c’est bien le shim sham, où plutôt le « Shim Sham Shimmy » qui est son nom complet d’origine. C’est un enchaînement amusant et qui s’apprend assez vite que l’on retrouve traditionnellement dans nos soirées swing contemporaines, particulièrement lorsqu’il y a un orchestre en direct.
Le shim sham shimmy est à l’origine un enchaînement de danse à claquettes. Leonard Reed et Willie Bryant sont souvent crédités de la création de cet enchaînement, évolution d’un autre enchaînement appelé « Goofus ». J’aimerais partager avec vous ce qu’écrit Constance Vallis Hill, dans son très complet livre « Tap Dancing America » à ce propos (je vous le traduis, car le livre est en anglais).
Sur le titre « Turkey in the Straw », l’enchaînement sur la durée d’un thème était dansé sur 32 mesures. […] Reed se souvient que les chorus girls aimaient tant « Goofus » qu’elles y ajoutèrent leur propre touche féminine sur le pas de sortie par un shimmy. Quand Reed et Bryant parvinrent à New York en 1931 pour se produire au Lafayette Theatre de Harlem, ils découvrirent que la danse avait déjà pris et qu’elle constituait un enchaînement de prédilection dans un club nommé le Shim Sham. En ce lieu, il était régulièrement dansé par une troupe de filles sous le nouveau nom de shim sham shimmy. […] Depuis cette époque, littéralement des centaines de personnes, ne connaissant pas les origines de la danse parmi les chorus girls, créèrent leurs propres versions du shim sham. Dansé durant tout le XXe siècle au point fort des spectacles, le shim sham est considéré comme l’hymne national de la danse à claquettes. 
Voici ce que dit Frankie Manning (dans son autobiographie, « Frankie Manning, l’ambassadeur du lindy hop« ) sur le renouveau du shim sham dans les années 80.
Le shim sham peut être dansé sur diverses musiques swing, mais il est d’usage de le faire sur « T’Ain’t What You Do » (la version de l’orchestre de Billy May ou celle de l’orchestre de Jimmy Lunceford sont souvent préférées) car ce titre contient les breaks adéquats. On peut aussi utiliser le « Shim Sham Song » du Bill Elliot Swing Orchestra (album « Swingin’ the Century », « Tuxedo Junction » d’Erskine Hawkins ou « Stompin’ at the Savoy » de l’orchestre de George Gee (avec les annonces faites par Frankie Manning en personne).
Le shim sham est aujourd’hui traditionnellement dansé à la fin d’une soirée swing. Les danseurs se mettent face à l’orchestre pour faire ce shim sham en guise de remerciement pour la musique sur laquelle ils ont dansé toute la soirée. Cela n’empêche pas que cet enchaînement puisse être dansé n’importe quand dans la soirée. Bien des danseurs de swing ont acquis le réflexe de danser un shim sham dès qu’il entendent les premières notes de « T’Ain’t What You Do ».
Pour finir cet article, voici la chorégraphie du shim sham la plus dansée, celle de Frankie Manning. Chaque ligne numérotée se danse sur 8 temps. Pour savoir ce que signifient les noms indiqués, je vous conseille soit de prendre des cours, soit de consulter mon livre « Le lindy hop et le balboa » qui comporte tous les détails pas à pas.
« La meilleure danse » ou « comment comparer l’incomparable », c’est un peu ce qui m’est venu à l’esprit en découvrant la nouvelle émission de danse de W9 il y a trois semaines. Réflexion un peu négative malgré le fait qu’une émission de danse de plus à la télévision française, c’est plutôt bien pour nous, passionnés de cette discipline artistique et de loisir. Encore faudrait-il que les producteurs trouvent ou adaptent une idée qui tienne la route. Après mon article donnant mon avis sur « Danse avec les stars » il y a quelques mois, je vous livre mes pensées sur cette nouvelle émission après ses trois premiers épisodes.
« Qui fera la meilleure danse » est diffusée sur la chaîne W9 le mardi soir en prime time depuis quelques semaines. Le principe est celui du télé-crochet : des candidats passent devant un jury et se font éliminer de semaine en semaine. Le jury est composé de trois spécialistes de la danse : Marie-Agnès Gillot, danseuse étoile à l’Opéra de Paris, Franco Dragone, un directeur artistique et metteur en scène et Redha, un chorégraphe qui a travaillé entre autres avec Patrick Dupont et la troupe de la comédie musicale Roméo et Juliette. Le vainqueur remportera la somme de 30 000 euros et intégrera la troupe d’un spectacle mis en scène par Franco Dragone. Au départ, il y avait plus de 3000 candidatures et la sélection initiale n’en a retenu que 32 pour passer dans l’émission. La présentation est assurée par Stéphane Rotenberg. Jusque-là, c’est assez classique, sauf si l’on ajoute que les candidats se présentent en solo ou en groupe/troupe. Ici, ça commence à ressembler à une sorte d’Incroyable Talent dédié à la danse (un peu à la manière de « Gotta Dance » à l’étranger). Voici la bande-annonce de l’émission :
Le reste du concept est un peu étrange puisque la sélection prend la forme d’une série de duels. Les candidats ont la possibilité de choisir celui/ceux contre qui ils vont se présenter en duel devant le jury. L’un des deux sera automatiquement éliminé, mais il y a une possibilité de repêchage à la fin de l’émission parmi ceux qui ont perdu les duels. Il n’y a donc pas de réel classement des candidats et des prestations et dans un duel il y a forcément un gagnant et un perdant. Inévitablement, le gagnant est parfois le moins pire des deux, à défaut de qualité… L’avantage de cette formule, c’est qu’on voit un spectacle varié aussi bien en terme de style, que de sensibilité artistique. Mais le gros reproche que je fais à cette formule, c’est qu’un duel peut très bien opposer une danseuse de ballet classique à un couple de rock acrobatique. Comment comparer ces deux choses qui n’ont rien à voir ?
Chaque danseur danse selon son propre langage. Les danseurs de ballet classique ont une certaine technique, une certaine esthétique et une certaine vision de la danse. Cela forme non seulement leur langage de danse, mais aussi leur culture personnelle dans ce domaine. Ainsi, un danseur de rock acrobatique pense-t-il performance, rythme et acrobatie, alors que la danseuse de ballet pense esthétique, interprétation et technique (pour faire court, évidemment). Ils dansent tous les deux, mais leur danse n’a rien à voir. C’est un peut comme si l’on compare le miaulement d’un chat avec le piaillement d’un oiseau. Chacun s’exprime, mais c’est différent. Peut-on dire entre un « miaou » et un « cui-cui » lequel est le plus « beau » ? Une autre image : peut-on dire qu’un poème en français de Baudelaire est meilleur qu’un poème en anglais d’Edgar Allan Poe ou qu’un poème en japonais de Yosa Buson ? Les langues sont différentes, les cultures sont différentes, les sonorités et les caractères d’écriture sont différents. À la limite, peut-on comparer les idées… Mais le reste ?
Encore plus loin : comment dire si l’un est meilleur que l’autre, alors même que l’on ne maîtrise qu’une de ces langues ? Là se trouve aussi l’épineux problème du jury qui est compétent, chaque membre étant dans un univers culturel de la danse qui lui est propre. En l’occurrence, il me semble qu’aucun d’eux ne puisse juger réellement une danse en couple telle qu’un rock ou un boogie sur un critère autre qu’esthétique. Je prends l’exemple de la prestation de Yann-Alrick et Flore (boogie/lindy) durant la seconde émission. On a pu entendre l’un des membres du jury dire à propos du boogie : « c’est nouveau ». C’est en effet nouveau pour lui, qui n’en avait peut-être jamais vu, mais cette danse n’est pas nouvelle. Ce que je veux dire par là, c’est qu’il faut relativiser trois choses sur cette émission : 1) le fait que le duel ne permet pas forcément de finir la sélection avec les meilleurs au classement général puisque les duels ne sont pas faits entre les éliminés, 2) le fait qu’on compare des choux et des carottes (ce sont des légumes, certes, mais pas réellement comparables), et 3) le fait que le jury n’est représentatif que d’une partie de la diversité des danseurs et des styles de danse existant.
Sinon, que dire de cette « meilleure danse » du point de vue télévisuel et spectacle. Tout d’abord, c’est de la danse. Donc, un bon point. Ensuite, les candidats sélectionnés sont d’un bon niveau d’une manière générale. Donc, un second bon point. Je trouve intéressant de mêler les divers courants de danse et de s’ouvrir l’esprit par cette occasion à d’autres manières d’aborder la danse (faisons abstraction de cette notion de pseudo-compétition). 
Comme l’objectif de cette émission — ne l’oublions pas — est de faire un casting en vue d’une figuration dans un spectacle, on comprend aussi que le jury fera son choix en conséquence. Par conséquent, une troupe aux talents variés aura probablement plus de chances qu’une danseuse seule un peu originale. Il y a aussi une question de personnalité. Par exemple, dans l’épisode 1, Stéphane (qui est allé au repêchage) me fait penser à Blake de la saison 1 de « So You Think You Can Dance » (mon émission de référence). Il a un ego très important, mais une technique très bonne. L’arrogance du Français a d’ailleurs été « saluée » par Rédha et il n’a pas été repêché. En tout cas, la rébellion du candidat par rapport au jury fait parler d’elle et cela fait du spectacle et de l’audience. J’ai aussi remarqué dans l’épisode 1 que Maé (7 fois championne du monde de danse) est éliminée alors que le groupe des filles burlesques (à la Pussycat Dolls) est repêché alors que ces dernières n’ont pas réellement un niveau technique suffisant. Là, clairement, c’est aussi le spectacle (et sa « bankabilité » pour faire un néologisme à la mode) qui prend le dessus à mon avis. Je m’interroge aussi sur les dessous des éliminatoires faits par la production (il n’est dit nulle part que les trois membres du jury ont fait passer les présélections aux 3000 candidats). Là aussi, peut-être des choix orientés « production » et « audimat » ont-ils été faits.
À l’heure actuelle, je ne sais pas si les duels vont se poursuivre tels quels jusqu’à la fin. Est-ce que le jury continuera de décider ou est-ce que W9 cédera au revenu substantiel formé par des votes des téléspectateurs par SMS ou ligne surtaxée ? Malgré les défauts, ce serait dommage de manquer l’une des émissions consacrées à la danse à la télévision française. Lorsque j’ai entendu parler du projet de W9, je me suis dit « Tiens, peut-être enfin l’émission que j’attends ? ». En fait, non. Le « So You Think You Can Dance » à la française n’est pas encore né et je n’ai pas encore vu de concept d’émission de danse qui rassemble autant les amateurs de toutes les danses, des ballets aux danses en couple sportives. Cela n’empêchera pas que je continuerai de suivre les prochains épisodes de « La meilleure danse » sur W9.
Une nouvelle saison commence pour les activités de loisir, les compétitions de danse, les soirées dansantes, etc. Et il était aussi temps pour UltraDanse.com de faire sa rentrée. Ceux qui prenaient déjà des cours de danse avant l’été savent peut-être déjà ce qu’ils vont faire en cette rentrée. À moins qu’une envie de changement de style de danse ne se profile à l’horizon ? En tout cas, pour les débutants, il n’est pas évident de s’y retrouver parmi tous les cours disponibles… Je liste ci-dessous différents styles de danses avec quelques indications qui pourraient aider à faire un choix. Tout cela n’est pas exhaustif, mais c’est une bonne base à mon avis.
La danse classique
Le modern jazz
Le hip-hop
Les danses de bal/standard
Les danses latines
Le swing et le lindy hop
Les claquettes
Chacun est appelé à marquer cette journée d’une manière spéciale, mais cela doit tourner autour de la danse et faire découvrir la danse dans son ensemble à ceux qui n’y sont pas forcément sensibilisés. Chacun contribue donc à la hauteur de ses possibilités et dans le style de danse qu’il pratique. La fête de la danse est la fête de toutes les danses, sans exception, et il faut savoir particulièrement garder l’esprit ouvert aux formes de danse que l’on ne connaît pas. En plus de faire découvrir sa passion à d’autres personnes, c’est aussi l’occasion de découvrir soi-même d’autres pratiques et d’autres styles.
La journée de la danse est initiée sous l’impulsion du Conseil International de la Danse (CID), organisation parrainée par l’UNESCO. Chaque année, les membres du CID sont appelés à faire connaître l’existence de la journée de la danse à leur entourage et aux médias en communicant un message d’information du président du CID. Comme je fais partie de ces membres, je m’acquitte évidemment avec plaisir de cette tâche ici en reproduisant le message en question, originellement en anglais, que j’ai traduit en français ci-dessous.
Les événements de la journée de la danse peuvent être des spectacles spécifiques, des cours de danse de type « portes ouvertes », des répétitions en public, des conférences, des expositions, des articles dans les journaux et les magazines, de soirées dansantes, des émissions de radio et de télévision, des visites, des spectacles de rue, des défilés, des décorations dans les vitrines des magasins, etc.
Pour obtenir un succès maximum, il est important que les préparatifs commencent suffisamment tôt. Il est impératif d’informer la presse et les médias en général sur l’événement. Il faut en informer un organisme tenant une position centrale à un niveau régional ou national, afin qu’il puisse diffuser une liste d’événements prévus pour la journée de la danse.
Le Conseil International de la danse est l’organisme officiel de coordination pour toutes les formes de danse dans tous les pays et dans le monde entier. Voici quelques détails rapides.
La danse est généralement vécue par ses pratiquants comme un vrai plaisir. Mais le plaisir vient aussi probablement de la synergie qui doit exister entre la musique et la danse. J’ai déjà eu l’occasion de critiquer dans ce blog l’inadéquation entre une musique que l’on entend et la danse que l’on effectue dessus. Ce genre de situation arrive particulièrement dans les soirées de danse « en société ». Pour ce qui concerne l’animation musicale, les fameuses soirées dansantes sont de deux types. Il y a tout d’abord les soirées CD et il y a aussi les soirées avec un orchestre en direct live. Aujourd’hui, je vous parle donc musique à danser et des musiciens qui vont avec.
Dans le premier type de soirées dansantes que je viens d’énoncer, l’animation musicale est faite en utilisant de la musique enregistrée (CD, MP3, etc.). La programmation musicale est en général faite par une personne (un DJ, tout comme dans n’importe quelle boîte de nuit). Cependant, ce DJ est un peu spécial dans le cadre des soirées de danses en couple, danses de salon, danses sociales, danses swing, danses latino, etc. Ce DJ en effet ne parle pas BPM (battements par minute) comme en boîte de nuit classique, il parle MPM (mesures par minute) pour déterminer le tempo d’un morceau. Cela signifie que, comme un enseignant qui contrôle la progression et les aptitudes de ses élèves, le DJ doit pouvoir contrôler le déroulement de sa soirée en termes de difficulté, d’ambiance et de variété. Côté difficulté, c’est effectivement le facteur MPM qui peut déterminer cela : plus la musique est rapide et moins elle est accessible aux débutants. L’ambiance est déterminée partiellement par le plaisir que prend le public : il faut donc passer des morceaux spécifiquement adaptés à la danse et ne pas satisfaire tout le temps les débutants au détriment des avancés ou inversement. Enfin, il semble logique qu’une soirée « toutes danses » doive proposer une variété de rythmes (rock, cha-cha, valse, tango, etc.) et répondre aux attentes des danseurs présents. Le DJ s’adapte donc généralement au public qu’il a en face : une soirée d’association rurale n’est probablement pas la même qu’une soirée d’école de danse citadine qui fait de la compétition de danse sportive ou qui est spécialisée en swing.
Tous ces paramètres sont généralement ajustés en temps réel tout au long de la soirée par un DJ (ou disc-jockey). Un bon DJ est un DJ qui est en permanence à l’écoute des danseurs, qui sait juger s’ils sont fatigués où à quel moment ils souhaitent se défouler et qui sait donc adapter en permanence sa programmation aux conditions de la soirée. Depuis quelques années, cependant, un facteur perturbant est venu s’insérer dans ce type de soirées dansantes : l’ordinateur. C’est l’avènement du format musical MP3 et de la virtualisation des platines de DJ qui a permis de mettre l’ordinateur (généralement portable) au centre de la diffusion de musique lors des soirées dansantes. Le logiciel de DJing, parfois assorti d’un périphérique dédié simulant les platines CD manuelles, permet de visualiser à l’écran sa collection de musique MP3, de l’organiser, d’y faire sa sélection et de paramétrer l’ordre de passage pour le déroulement automatique d’une soirée dansante. Ainsi, plus la peine d’avoir quelqu’un devant le clavier et l’écran : le DJ peut très bien aller s’amuser et danser avec les autres participants. Pratique lorsque tout se déroule bien et lorsqu’on n’a cure de répondre aux attentes mouvantes des danseurs sur la piste. J’ai déjà vu plusieurs fois des soirées de ce type où le programme se déroulait coûte que coûte à l’aveugle jusqu’au point où il n’y avait plus aucun danseur sur la piste pendant plusieurs minutes faute de musique répondant aux attentes. Ce n’est pas l’image d’une soirée réussie qui est restée dans la mémoire des participants à ce genre de soirée…
À l’opposé du « tout automatique et tout enregistré », il y a le « tout en direct et avec orchestre ». Là ça peut être le pied. Dans le cas idéal, les musiciens sont en forme, ils ont un vaste répertoire dansant et des orchestrations qui donnent envie aux danseurs de se remuer. Si l’on ajoute à cela, une bonne sonorisation, des pauses adéquates et des danseuses et danseurs qui respectent les musiciens, on obtient une soirée mémorable pour tout le monde. Imaginez qu’au lieu de simplement installer un ampli, des enceintes, un ordinateur et trois spots automatiques, il a fallu redoubler d’efforts pour préparer le terrain : accueil des musiciens (vestiaires, salle de repos), organisation de l’espace réservé à l’orchestre (montage de la scène), mise en place de la sono, des instruments (batterie, piano, etc. parfois) et des microphones, petite répétition avec les instruments et réglages de la sonorisation (balance) pour que l’intervention des instruments soit globalement équilibrée, réglage de la lumière, organisation du ravitaillement des musiciens (boissons, repas), etc. 
Et tout cela n’est que la préparation ! Pensez bien qu’une fois la soirée finie, il faut encore ranger tout cela, démonter la scène, payer les musiciens, etc. C’est plus compliqué, mais c’est comme cela qu’un orchestre aura envie de s’investir et qu’il pourra faire danser l’assistance jusqu’au bout de la nuit… Lors d’une soirée avec orchestre, les musiciens proposent la musique aux danseurs, qui en disposent. Les musiciens gèrent, morceau après morceau, l’ambiance de la soirée en fonction de ce qu’ils voient sur la piste de danse (il est donc important que les danseurs ne soient pas dans l’obscurité, ni les musiciens aveuglés par les spots lumineux). À l’inverse, les danseurs dansent en fonction de ce qu’ils entendent, interprètent la musique et peuvent réagit à la moindre surprise. Et des surprises, certains musiciens et chanteurs habitués aux soirées dansantes en parsèment leurs prestations à la plus grande joie des danseurs. Je me souviens d’une soirée swing où, dans la prolongation d’un couplet lent, la chanteuse (Jennie Löbel pour ne pas la citer) s’est envolée dans un scat de plus en plus rapide annonçant habituellement une section rapide pour, au bout de sa course de « bidouap tibidibidi », nonchalamment continuer sa chanson à la vitesse lente initiale, alors que les danseurs s’apprêtaient à dynamiser leur danse. Elle s’est amusée de ce contre-pied avec un petit sourire tandis qu’une grande partie des danseurs de la salle éclataient de rire.
Dans un autre genre, l’interaction entre les danseurs et les musiciens est un peu différente, mais elle est tout aussi présente. Dans le livre « La danse country & western » de Ralph G. Giordano (à sortir en français avant l’été : je suis en train de travailler sur sa traduction), l’auteur décrit, entre autres thèmes, l’ambiance des honky-tonks et des salles de danse au Texas. Il raconte quelque chose qui montre bien que les danseurs peuvent être attachés à un orchestre et au fait qu’il y ait de la musique dans une soirée…
Dans certaines soirées dansantes, je suis peiné de voir que les danseurs ne « calculent » pas les musiciens qui jouent pour eux. Ils dansent exactement comme s’ils entendaient le son d’un CD sortir des haut-parleurs, ignorant sereinement qu’il y a quelques bonshommes qui gigotent sur l’estrade d’où vient le son. Imaginez une soirée dansante où l’ensemble des danseurs ignore les musiciens. Cela ne donne assurément pas à ces derniers l’envie de se démener pour faire la meilleure prestation possible et cela devient aussi assez désagréable pour eux. Les musiciens aiment savoir qu’ils jouent pour un public et s’ils voient que, en plus, le public s’amuse en dansant et apprécie ce qui est joué, cela les motive d’autant plus. C’est là que les petites surprises musicales peuvent survenir. Ainsi, lorsque vous dansez sur la musique d’un orchestre en direct, jetez de temps en temps un coup d’oeil aux musiciens avec un grand sourire, réagissez aux subtilités de ce qu’ils jouent et applaudissez pour les remercier lorsque le morceau est fini. Dans certaines soirées swing, il est courant que les danseurs insèrent un shim-sham pour remercier l’orchestre. Le principe est simple : tous les danseurs se mettent face à l’orchestre et dansent à l’unisson la chorégraphie de danse swing en ligne du shim-sham. Il existe plusieurs variantes de shim-sham et le shim-sham promu, entre autres, par Frankie Manning est entièrement détaillé dans mon livre « Le lindy hop et le balboa », sorti en 2010.
Sans la musique et les musiciens qui la composent et la jouent, il n’y aurait pas de soirées dansantes, ni de cours de danse. Ce qui me désole parfois, c’est de voir des danseuses et danseurs considérer la musique comme un simple accessoire. Certains demandent : « passe-moi une valse, n’importe laquelle, je m’en fiche », d’autres disent : « cette chanson est nulle » alors que d’autres adorent danser dessus. Il y a aussi des personnes qui copient des CD sans se préoccuper de savoir ce qu’il y avait d’écrit sur la pochette, ni quel artiste en interprète la musique. Je pense que ce qu’il y a de pire que de copier illégalement un CD, c’est de ne pas respecter l’artiste qui l’a créé. Quand on aime un morceau de musique, la moindre des choses est de s’intéresser à l’artiste qui en est l’auteur. Bien sûr, on ne mémorise pas tout d’un seul coup et c’est à force d’écouter et de lire le nom de l’artiste associé à une chanson qu’on le mémorise. Dans le même esprit, si vous adorez un artiste et que vous écoutez souvent ses chansons issues d’un CD ou d’un MP3 piraté (il faut tout de même prendre la réalité en compte), la moindre des choses est, au moins de temps en temps, d’acheter légalement un CD ou un MP3 de cet artiste. Il faut garder en mémoire que sa musique c’est son gagne-pain. C’est d’autant plus vrai pour les « petits » artistes et les « petits » labels qui fonctionnent d’une manière proche de l’artisanat. C’est à la fois une question de reconnaissance et une question de respect pour l’artiste.
Cela fait plus de deux ans, dans ce blog, je faisais la remarque qu’il n’y avait pas d’émissions de danse grand public à la télévision française et j’émettais le souhait que la situation change. Est-ce suite à mon message (soyons un peu mégalos !) ou est-ce l’évolution naturelle du paysage audiovisuel (soyons un peu réalistes…) ? Toujours est-il que depuis deux semaines une émission de danse en couple passe en prime time sur une grande chaîne française. Il s’agit de « Danse avec les stars » qui passe sur TF1 le samedi à 20h35. Après deux semaines d’émission, il est temps de faire un petit bilan avec un regard de danseur amateur de télévision… non sans avoir refait un petit tour d’horizon du PAFD, le Paysage Audiovisuel Français de la Danse, une exclusivité UltraDanse.com !
C’est par exemple le cas de l’émission La France a un incroyable talent de M6, adaptation de l’émission américaine America’s Got Talent. Les danseurs en solo ou en groupe ont bien souvent été au premier plan parmi les votes de cette émission de type télé-crochet. Le dernier cas en date est celui du tout jeune couple de danse Axel et Alizée qui sont sortis vainqueurs de la saison en montrant de la danse sportive. Il est à noter que sur 5 saisons de 2006 à 2010, les vainqueurs ont été par 4 fois des danseurs.
sur France ô (chaîne du groupe France Télévisions). Le principe était que chaque semaine quatre groupes de danseurs, confrontés à diverses épreuves éliminatoires et au vote du public, se défiaient sur des danses dites « urbaines ». Ils devaient convaincre un jury composé du danseur Bruce Ykandji, du chanteur Jessy Matador, et de la professeur de danse Malika Benjelloun. L’équipe gagnante obtenait le droit de participer à une grande soirée événement ou d’apparaître dans un clip. Le casting était un peu biaisé à mon sens, car on essayait de faire rentrer dans la case « danse urbaine » le coupé-décalé, le forro ou encore la danse latine. 
Il est clair que cela ne pouvait être qu’une troupe de hip-hop qui pouvait en ressortir vainqueur, en 2010 en l’occurrence, ce furent les « 91 Pact » avec du hip-hop new style. Finalement, une émission qui doit encore gagner en maturité malgré certaines prestations de danse de très bonne qualité… Une autre série d’émissions récente était U Dance sur NRJ12, dont c’était la seconde saison en 2010. La finalité gagner sa place pour danser devant 3000 personnes sur la scène mythique de l’Olympia aux cotés de M. Pokora (dont je vais vous reparler un peu plus bas…). Lors d’un grand casting national, 5 candidates ont été retenues pour participer à l’aventure. C’est à Barcelone qu’elles ont rejoint M. Pokora durant 1 semaine et Mylène, Kiya, Ambre, Laure et Emilie ont du relever des challenges quotidiens. Entraînées et épaulées par Laura Treves, une chorégraphe au caractère de feu, elles ont du repousser leurs limites pour montrer qu’elles étaient à la hauteur de l’enjeu. Côté résultat, Émilie a été élue par le public pour faire un solo avec la star et Mylène choisie par M. Pokora pour être le leader du groupe.
En plus des émissions entièrement en français, il y avait aussi des émissions en anglais, mais doublées en français. Une première émission s’appelait Got to Dance. La saison 1 (2009-2010) de cette émission anglaise de casting de danseurs initialement diffusée sur Sky 1 a été diffusée doublée en français sur Gulli (chaîne 18 de la TNT). Parmi le jury on trouvait Ashley Banjo, le leader de la troupe Diversity (vainqueur de « Britain’s Got Talent », l’équivalente anglaise de notre « Incroyable talent » qui a révélé Susan Boyle), ainsi que Kimberly Wyatt (membre des Pussycat Dolls) et Adam Garcia (danseur à claquettes d’origine australienne). L’objectif était de sélectionner la meilleure troupe de danseurs par le biais d’un casting éliminatoire. Ici, il ne s’agissait donc pas de danseurs en solo, mais de prestations en groupe. 
Dans un registre différent, mais toujours en doublage en français, il y a eu une autre émission récente au concept plus original. Il s’agit de Dance your ass off, émission américaine diffusée en France sur Virgin 17 (l’ancien nom de l’actuelle chaîne DirectStar). L’objectif était, pour un ensemble de personnes à forte corpulence, de perdre un maximum de poids en dansant en association avec un danseur professionnel. Bien sûr, sur plusieurs semaines, l’épreuve portait ses fruits. Les bienfaits de la danse sur la santé sont à présent bien reconnus. Deux saisons de cette émission ont été produites. La première saison était présentée par Marissa Winokur (demi-finaliste dans Dancing With the Stars, saison 6 — voir un peu plus loin à quoi correspond cette émission — et ayant joué dans la version Broadway du film Hairspray) et la seconde par Mel B des Spice Girls (elle aussi demi-finaliste dans Dancing With the Stars, saison 5, mais moins potelée…). Et malgré cela vous pensiez qu’il n’y avait pas beaucoup de danse à la télévision ? La difficulté était juste de trouver la bonne chaîne et le bon horaire. J’essaye d’afficher dans la section « actualités/médias » d’UltraDanse les informations quand je les ai assez tôt, restez donc à l’écoute !
Venons-en à l’émission dont je parlais dans l’introduction de cet article… Danse avec les Stars est l’adaptation française de l’émission anglaise Strictly Come Dancing (également adaptée aux États-Unis sous le titre Dancing with the Stars). En France, elle est présentée par Sandrine Quétier et Vincent Cerutti. Sa diffusion a lieu sur TF1, depuis le 12 février à 20 heures 45 pour une série de 6 émissions. Les noms des célébrités (les fameuses « stars ») qui participent à l’émission sont: David Ginola, Sofia Essaïdi, Adriana Karembeu, André Manoukian, Jean-Marie Bigard, Rossy de Palma, M. Pokora et Marthe Mercadier. Chaque semaine l’un d’eux est éliminé par un vote composé à 50% de celui du jury et à 50% de celui des téléspectateurs qui votent par SMS ou téléphone. Le jury du plateau est composé d’Alessandra Martines (ancienne ballerine et actrice d’origine Italienne), Jean-Marc Généreux (venant du Canada, compétiteur de danse sportive et chorégraphe dans So You Think You Can Dance) et Chris Marques (ancien compétiteur en salsa et chorégraphe dans Strictly Come Dancing, d’origine franco-portugaise exilé en Angleterre). On peut se demander pourquoi la production n’a pas retenu un seul danseur actif en France pour former le jury. Pourtant des professionnels très reconnus avaient passé le casting pour le jury. Si le critère était de « crier » son avis, de se montrer et d’avoir de bons « jeux de mots » lors de l’annonce des résultats, il est sûr qu’ils ont fait le bon choix… Même si le jury peut être considéré comme légitime, les critères « télévisuels » sont encore manifestement trop prédominants par rapport à la danse proprement dite.
Il y a de jolies prestations comme celles de Sofia Essaïdi et de M. Pokora, deux artistes jeunes avec en plus un background de danseurs (mais pas en couple). En revanche, il y a aussi des prestations désastreuses comme celles de Marthe Mercadier (et l’âge n’est malheureusement pas le seul responsable). Bref, il y a à boire et à manger, mais le critère qui prime, encore une fois, est le spectacle de divertissement, même si la danse n’est pas réussie. Alors, dans ce genre d’émission, qu’est-ce qui fait un bon résultat ?
C’est un ensemble de facteurs dont une star douée pour la danse et motivée, un professionnel compétent et qui sait rendre rapidement accessible une technique complexe à un néophyte, une chorégraphie qui fait un joli spectacle sans négliger la base de la danse utilisée et enfin une jolie musique. Parlons-en de la musique… Je m’interroge sur l’utilisation de certains titres qui me semblent totalement en décalage par rapport à la danse annoncée. Samedi, il y avait une « rumba » sur « Time of My Life » de la BO de Dirty Dancing qui n’a rien à voir avec une rumba. La semaine précédente, il y avait une « valse » sur « Cry Me a River » où la soi-disant valse ne correspondait pas à la musique. Dans les deux cas, il s’agissait du même couple de danseurs (Bigard et Fauve) ; je ne sais pas d’où vient le problème, mais même sans être puriste un débutant prenant des cours de danse en couple en école ou association n’a aucune chance de s’y retrouver. Bref, en conclusion sur cette émission, disons que c’est une initiative positive, car elle a l’avantage de proposer de la danse à une heure de grande écoute. C’est très bien pour le grand public qui ne danse pas et cherche un divertissement. Toutefois, les erreurs de jeunesse et le manque de rigueur au niveau de la danse en elle-même pourraient générer des critiques au sein des personnes qui savent déjà danser et qui auront peut-être du mal à comprendre que la danse n’est qu’un facteur de jugement parmi tant d’autres. Et malgré tout cela, je suis chaque semaine devant l’écran, car peu importe ce que l’on pense, ça fait quand même du bien de voir de la danse à la télévision et j’espère que cela en motivera plus d’un à s’y essayer en vrai.
Me voilà encore arrivé à la fin d’un article fleuve… J’avais pourtant pris la résolution de faire plus court cette année ! Ca compensera donc le début d’année irrégulier de ce blog. Il donc est temps de conclure… Voilà, voilà. J’attends toujours avec impatience l’adaptation française de mon émission de danse préférée So You Think You Can Dance qui doit attaquer cette année sa huitième saison. Je ne parle pas ici du doublage en français qui a déjà été diffusé sur DirectStar pour la saison 3 américaine (tiens, je l’avais oubliée dans la liste, celle-là…), mais d’une vraie version française avec des danseuses et danseurs français ainsi qu’un jury français de bon niveau. Si cela pouvait se faire sans frilosité et avec les moyens adéquats, cela ravirait, je pense, toute la communauté de la danse en France (et probablement en Belgique et en Suisse aussi). Mais sait-on jamais que mon message soit entendu un jour jusqu’au niveau des producteurs et diffuseurs ?
Dans les années 1945 à 1956, un duo d’artistes était particulièrement connu aux États-Unis aussi bien pour la qualité de ses sketches qui contenaient aussi bien des chansons que de la danse. Ce duo, mêlant le charme de crooner de l’un de ses membres à l’humour déjanté du second était composé de Dean Martin et de Jerry Lewis. Ce sont deux personnages que l’on a un peu oubliés (et en particulier leur duo à succès) et que je vous propose de redécouvrir ci-après, avec un focus sur leurs prestations dansées qui tenaient une place particulièrement importante dans leurs numéros.
Durant toutes ces années de collaboration, les deux artistes ont persemé leurs numéros de danse. Essentiellement de la danse en couple, mais pas seulement. Cela est arrivé dans des émissions de télévision, mais aussi dans des films. Par exemple, dans le film « Livig It Up » de 1954 (photo ci-contre), on voit Jerry Lewis danser le lindy hop/jitterbug avec Sheree North. Même s’il fait le pitre, on devine bien ses qualités de danseur (que je vous propose de découvrir à la fin de cet article). Pour le duo de choc, l’émission « Colgate Comedy Hour » (voir plus bas) a été un terrain expérimental particulièrement riche où ils s’adonnaient à toutes sortes d’exercices allant du sketch burlesque à des prestations aux allures de comédie musicale. Et il faut bien avouer qu’ils n’hésitaient pas à faire quelques pas dans les bras l’un de l’autre pour faire rire le public. C’est dans cet état d’esprit caractéristique que ces amoureux du jazz et des danses associées ont fait découvrir le swing à des milliers d’Américains.
Pendant longtemps, j’ai cru que Dean Martin était simplement un chanteur grâce à des CD de compilation de crooners et Jerry Lewis un clown à cause de la rediffusion de certains films comme « Docteur Jerry et Mister Love ». Ce n’est que plus tard, avec l’ère de Youtube, que je suis tombé sur des vidéos d’époque qui m’ont prouvé qu’ils aimaient aussi beaucoup la danse et qu’ils en parsemaient leurs numéros pour notre plus grand plaisir. J’ai souhaité limiter à 3 le nombre de vidéos de cet article, mais je vous conseille d’aller faire un tour sur les sites d’hébergement de vidéos (Youtube ou Dailymotion) et d’en découvrir d’autres (dont certaines faites chacun de son côté après la fin de leur duo).
La première chose à faire est de bien choisir son stage. Il s’agit donc de cibler ce que l’on souhaite faire (perfectionnement ou découverte). Un stage intensif est en effet particulièrement utile pour se perfectionner avec un enseignant différent de celui/celle qui nous a formés. Il est important de ne pas rester focalisé sur une seule et unique vision de la danse afin de ne pas se fermer des portes et s’ouvrir l’esprit et le corps à d’autres mouvements. Même si nous n’avons pas a priori l’habitude des nouveaux mouvements (ou des nouvelles techniques) qui sont enseignés dans certains stages, chaque effort pour comprendre et appliquer ne peut être que bénéfique pour notre danse. Un stage est également utile pour découvrir une nouvelle manière de danser. C’est là où, même si l’on a plusieurs années de pratique derrière soi, il faut consentir à revenir au niveau débutant en partant du principe qu’une nouvelle danse, une nouvelle technique doit être comprise à partir des bases.
Le choix du stage étant fait, il faut trouver un hébergement si les cours se déroulent à loin de chez nous. Il vaut mieux prendre un hébergement proche du local de stage et s’y installer la veille du premier jour si possible. Il est en effet difficile de cumuler la fatigue du voyage aller avec une journée entière de cours sans en ressentir les conséquences sur notre niveau d’attention. Il faut donc se coucher tôt et passer une bonne nuit avant de commencer un stage du bon pied. Cela est particulièrement vrai pour les stages de week-end où les deux jours doivent pleinement être mis à profit. Pour les stages plus longs, il faut savoir que le corps ne prend le nouveau rythme intensif qu’à compter du quatrième jour. Les trois premiers sont donc particulièrement éprouvants physiquement parlant (courbatures, fatigue, etc.). Ensuite, ça s’arrange. Il ne faut évidemment pas lésiner sur de bons repas équilibrés et s’hydrater. Il vaut encore mieux manger un peu trop et avoir assez de forces pour tenir la route que tomber de fatigue et ne pas parvenir au bout du stage… Durant tout le stage, il faut s’astreindre à un minimum de discipline ; l’objectif étant de pouvoir se rappeler du contenu des cours par la suite.
Lors des cours, il ne faut pas hésiter à se donner à fond afin de bien ressentir les mouvements que nous sommes censés faire. Si les mouvements ne sont pas faits qu’à moitié, les sensations se graveront plus facilement dans notre corps et notre mémoire. C’est davantage fatigant, certes, mais plus efficace. Lorsqu’un cours se termine, il est parfois autorisé de filmer les enseignants qui refont le programme exprès. N’hésitez donc pas à apporter un bon caméscope (ou un appareil qui fait de bonnes vidéos) non sans avoir oublié de charger la batterie et y avoir inséré une cassette (ou une carte mémoire) avec suffisamment de capacité. Il va sans dire qu’il est préférable de tester l’appareil en question au préalable afin de ne pas manquer l’unique prise de fin de cours. Ainsi, à chaque fin de cours, il faut rester attentif au moment où les enseignants feront les mouvements appris durant la séance. S’il n’est pas autorisé de filmer les enseignants, il est possible de demander la permission à un autre stagiaire (ou plusieurs) de refaire le programme du cours devant votre objectif. L’idée est ici de capturer le mouvement à chaud.
La phase suivante se passe le soir de chaque journée de stage. Il est utile de noter dans un calepin ou un cahier tout ce dont vous vous souvenez de ce qui a été dit durant les cours de la journée. Encore mieux, si vous avez un creux dans votre programme de cours durant la journée, vous pouvez en profiter pour y prendre vos notes. Ces notes sont un complément très utile à la vidéo puisque vous pouvez aussi y porter vos sensations, vos commentaires et tout ce que vous trouvez important de noter pour une reproduction fidèle.
La dernière phase du processus parfait se situe après le stage. C’est là où il faut reprendre votre vidéo et en faire un petit montage rapide, mais propre, avec des titres pour chaque cours ou séquence enregistré(e). Il existe des outils gratuits (Movie Maker sous Windows) ou pas trop chers et très simples d’utilisation (Première Elements) pour faire cela. Il faut absolument effectuer cette opération qui permet l’archivage propre des vidéos du stage dans un laps de temps très cours après le stage. La raison essentielle est que plus vous traînez, moins vous en aurez l’envie et moins vous en trouverez le temps. Puis les vidéos s’accumulent : un stage, puis deux, puis on finit par ne pas exploiter les vidéos faute d’accès facile aux différentes scènes. La vidéo étant montée (et éventuellement gravée sur DVD), le nec plus ultra est alors de la visionner en relisant vos notes et de compléter ces dernières avec les détails que les images vous remettront en mémoire.
Et vous voilà enfin prêt(e) à retravailler les mouvements du stage au moment qui vous conviendra le mieux, vidéo et support écrit à l’appui. Il est toutefois conseillé de ne pas trop tarder afin de bien profiter de la mémoire du corps qui, elle aussi, se détériore avec le temps sans pratique. Par la suite, un petit rappel de temps en temps permettra d’asseoir ces nouvelles connaissances sur le long terme. Ce ne sont là que quelques conseils (que j’ai essayé de généraliser à divers types de stages de danse, en couple ou non) que chacun saura adapter à sa personnalité et ses habitudes. Rappelons-le, un stage n’est pleinement profitable que si l’on intègre sur le long terme ce que l’on y a étudié. Si, par malchance, vous n’avez pas la possibilité de réviser le contenu des cours sous quelques semaines après le stage, vous risquez de devoir participer de nouveau à un stage similaire pour réellement progresser.
Combien de fois a-t-on pu entendre cette phrase : « Je ne sais pas danser » dans la bouche d’une personne qui refuse de se lever de sa chaise pour bouger sur la piste de danse ? J’avoue que cela a longtemps été mon cas, particulièrement durant toute mon adolescence. Je fais en effet partie de ces gens qui pensent que lorsqu’on ne sait pas on ne fait (ou dit) pas. En d’autres mots, je ne savais pas danser et je n’allais donc pas me ridiculiser à gesticuler maladroitement sur la piste. En revanche, je fais aussi partie de ces gens qui pensent que ne pas savoir ne dispense pas d’apprendre. C’est en partie ce qui m’a un jour poussé à m’inscrire à des cours de danse. Depuis lors, je n’ai cessé d’apprendre de nouvelles danses, de nouvelles techniques, de nouvelles informations sur la danse et je n’en vois toujours pas la fin. Le sujet est si vaste !
Je ne vais pas vous raconter ma vie, mais l’idée aujourd’hui est de donner un espoir à ceux qui pensent qu’ils ne pourront jamais danser en soirée (en solo comme en couple). Pour tout dire, avant de commencer les cours, j’avais vraiment « les deux pieds dans le même sabot ». Un vrai boulet. Mal à l’aise, maladroit, en dehors de marquer correctement la mesure, je ne pouvais pas bouger mon corps de manière naturelle quand il s’agissait de suivre la musique. Heureusement, cela a changé. Mes premiers cours de danse (madison, rock et valse) m’ont permis de mieux intégrer sur quels aspects de la musique je pouvais me baser pour faire des mouvements. Dans les musiques de danse de salon, il y a souvent des temps forts et des temps faibles, mais aussi des temps plus accentués que d’autres que mes premiers pas de danse m’ont permis d’identifier plus ou moins consciemment. La batterie d’un morceau de rock est utile pour cela par exemple. Progressivement, le fait d’apprendre des pas et figures appliqués sur diverses musiques — mais sans encore improviser — a forgé la connexion entre mon corps (et en particulier mes jambes) et la musique. Les bras sont venus après. Petit à petit, au fil des semaines, mon horizon s’est éclairé. J’ajoute que l’apprentissage de la danse fonctionne par paliers : on a parfois l’impression de stagner durant quelques semaines, puis un déclic se fait et on passe au niveau suivant et ainsi de suite. Cela n’est pas régulier et dépend de chacun, mais ça arrive !
Comme de nombreux débutants en danse en couple, ce n’est qu’au troisième trimestre de ma première année que j’ai osé sortir en soirée dansante. Ma première soirée en dehors des entraînements proposés aux autres élèves du cours et une soirée où j’ai compris que j’étais capable de danser de manière autonome sans que les gens se moquent de moi. Finalement, nous étions tous dans le même bateau, car la musique était la même et tout le monde était là pour danser et se divertir. La soirée se passait dans une boîte classique qui avait juste un programme de danses de salon jusqu’à 1 heure du matin et qui enchaînait sur des musiques plus habituelles de ce genre d’endroit et plus propices aux danses en solo (dance, disco, années 80, etc.). Emporté par l’esprit de groupe formé par les autres élèves du cours de danse avec qui j’étais venu, je me suis essayé à faire deux pas en solo malgré mes craintes. En réalité, j’ai commencé par me dire que mes pas de rock allaient peut-être coller à la musique. La réponse fut oui, mais je passais alors pour une sorte d’hurluberlu qui bougeait bizarrement sur du disco. En rythme et d’une manière assurée, certes, mais bizarrement tout de même. J’ai alors observé les autres qui faisaient des mouvements plus simples et qui demandaient moins d’énergie. Ils se laissaient aller à onduler au rythme de la musique et les pieds faisaient des mouvements plus simples que les pas de rock que je maîtrisais à présent.
Il y a aussi un autre mouvement qui est utilisable sur certaines musiques. Pour ma part, je l’ai découvert après quelques cours de samba (de salon, pas la brésilienne). Il va sans dire qu’à un certain moment, dès que j’apprenais un nouveau pas ou une rythmique de base, je l’essayai dans le contexte « solo » en soirée. Une rythmique semblable à celle du pas de samba peut donc être utilisée. C’est particulièrement vrai sur des morceaux comme les classiques de Claude François comme « Alexandrie, Alexandra » ou « Ces années-là »… On peut compter « et 1, et 2, et 3, et 4 » où le « et » correspond au demi-temps. Voici une description rapide.
3 Écarter le pied gauche à gauche.
Par la suite, il suffit de bien observer les autres et d’essayer de copier leur manière de bouger pour enrichir sa propre bibliothèque de mouvements. Bon, je parle ici de mon modeste parcours lors de mes premiers mois d’apprentissage de la danse, il y a assez longtemps. J’avoue que je ne suis plus sorti en dehors de soirées de danse en couple depuis quelques années. Mais, à présent, j’ai pris des cours de modern jazz, de hip-hop, de ragga, etc. (toujours ce principe de ne pas parler de quelque chose qu’on ne connait pas… et de s’ouvrir aux autres formes de danse tout simplement en les pratiquant) et je pense que ma « danse de boîte » s’est enrichie naturellement de tous ces apports qui mettent en oeuvre tout le corps. Ca me donne l’envie de me mettre en situation, tiens… Pour conclure, je conseille donc à ceux qui prétextent ne pas savoir danser pour ne pas se joindre aux autres sur la piste de danse de s’inscrire dans un cours à la rentrée. Peu importe le style de danse (rock, salsa, danses de bal, country, jazz, hip-hop, etc.), ils acquerront une base de mouvement et feront le lien entre la musique et leur corps. Cela leur permettra à coup sûr (une fois passé le premier plongeon en public) de trouver leur style et de s’amuser avec leurs amis sur la piste de danse. Il arrive même que l’on trouve un mouvement par hasard, que les autres autour de soi trouvent sympa et qu’ils reprennent à leur compte par la suite !